Alargar el movimiento: La fotografía dancística de Ricardo Alcaraz

Cuando empecé a tomar fotos de los eventos de danza, no tenía muchos referentes en esta área. Mis referentes eran más bien del fotoperiodismo clásico, ensayos fotográficos de comunidades, por ejemplo. Admiraba mucho a William Eugene Smith y a fotógrafos de ese mismo tipo. Recuerdo una lectura en una revista de una entrevista grupal a unos fotógrafos (no recuerdo sus nombres), y uno de ellos afirmaba que no le interesaba ser “original” sino ser “bueno”. Claro, esto no hay que tomarlo de manera literal, pero era una manera de recordar que hay que esmerarse en el trabajo, aunque uno estuviese cubriendo algo puñeteramente aburrido como una conferencia de prensa, y esto fue algo que me marcó en mis años formativos. 

Entonces, originalmente, no tenía, una visión sobre la fotografía de la danza. 

Usualmente en la fotografía, uno trata de congelar el movimiento. Por ejemplo, en los deportes, uno quiere grabar el momento preciso en que alguien lanza la bola, brinca, salta, etc. El que salga borroso se percibe como un defecto. Eso es lo clásico, esa es la formación en la que me desarrollé.

Con la danza, mi estilo se inicia, un poco, por accidente. A diferencia de la danza clásica, donde la iluminación tiende a ser más amplia para que se facilite ver lo que ocurre en el escenario, en la danza contemporánea, la iluminación resulta más trabajosa para el fotógrafo. Suele ser más oscura, menos constante a lo largo del escenario, con contrastes fuertes, porque es trabajada conceptualmente. Para el público, por supuesto, forma parte de la experiencia artística, de lo que uno va a ver, experimentar e incorporar en la interpretación. Como fotógrafo, sin embargo, esto presenta retos. 

Cuando uno retrata con poca iluminación, se tiene que bajar la velocidad de la cámara, y me refiero al tiempo que transcurre en la toma de una foto. Una velocidad alta permite captar un momento más preciso, porque permite captar lo que está pasando en fracciones de segundo. Cuando hay poca luz, sin embargo, se hace necesario bajar la velocidad e implica que la foto toma más tiempo y capta más movimiento.

En las producciones de la danza contemporánea, muchas veces, no siempre, me era necesario reducir la velocidad de la cámara, por el asunto de la iluminación.  El resultado era que se preservaba el movimiento, se “alargaba”, si se quiere, a través de ese aspecto borroso que uno usualmente buscaba evitar. Me pareció distinto, diferente, y le fui cogiendo el gusto. Poco a poco, fui haciéndolo parte de mi estilo al acercarme a la danza contemporánea, incluso cuando ya no era una necesidad por la iluminación. Lo hacía por el gusto y por las posibilidades estéticas. Se convirtió en mi visión como fotógrafo a la hora de cubrir la danza. Claro, al tirar a velocidades bajas, siempre aumenta el riesgo de que la foto no servirá, por la falta de precisión, por exceso de distorsión. Pero a veces me gustan los riesgos, como en este caso.

El concepto era que la danza no tenía punto final; es todo movimiento, y ese movimiento sigue más allá del evento singular y se capta en la fotografía. 

Este tipo de acercamiento es bastante particular a mi trabajo de la danza, aunque lo he extendido a otros ámbitos de mis faenas fotoperiodísticas. Me refiero a la música, el deporte, incluso a las manifestaciones políticas. Tengo algunas fotos que me gustan mucho, del saxofonista Miguel Zenón, por ejemplo, y de Endel Dueño, un timbalero reconocido del mundo de la salsa, donde, a través de este acercamiento, logro captar su pasión, su energía. Lo he utilizado, también, al tomar fotos de pleneros. Pero es la danza la que me ha permitido mayores posibilidades con este estilo.